#393E46

#222222

경기창작캠퍼스 공공갤러리 개인전 《지음(知音): 전통의 숨, 기술의 결로 시대를 읽다》

 시흥시 문화재생공간 공모 개인전 (SNU 아트큐브 서울대학교 교육협력동) 

디아츠 The ARTS 미술협회 제9회 정기전 시선-결 (인사동 갤러리 은)

『AI Art Tools Technique 1~4권』 출간

한국저작권위원회 가이드북 “생성형 인공지능 활용 저작물 저작권 등록 안내서” 등록 사례 작품 〈자연의 울림〉 수록

제주를 담다전 (제주 '담' 갤러리)

GLOBAL DAO ART (싱가포르·뉴질랜드·서울 YMCA)

전통과 메타버스의 만남 (북촌 갤러리)

불이 붙는 찰나 展 (마루아트센터 인사동 )

OmaLi 

홍익대학교 동양화과를 졸업하고, 현재 홍익대학교 일반대학원 AI실감미디어콘텐츠학과 석사과정을 진행 중이다.
전통회화를 기반으로 생성형 AI 기술을 회화의 언어 안으로 끌어오는 실험을 지속해오고 있는 작가다.

전통회화가 지닌 물성과 디지털 알고리즘의 논리를 한 화면 안에 공존시키며, 새로운 조형 감각과 미적 질서를 탐색하는 것이 작업의 주요한 방향을 이끌어 왔다. 순수 동양화에 몰두하던 시절에는 먹이 번지고 스며들며 확장되는 순간을 회화의 핵심으로 삼았는데, 이 번짐은 내면의 감정이 세계로 흐르고, 자연과 조화를 이루며 자리 잡는 과정을 상징했다.

이 시기에는 한지 블록, 스와로브스키 크리스털, 금속 와이어 등 성질이 상이한 재료들을 한 화면에 병치하며, 자연과 인간의 관계를 조형적으로 탐구하는 실험을 이어갔다. 시간이 흐르면서 이러한 회화적 탐구는 또 다른 확장을 맞이했고, 전통 회화의 감성과 디지털 기술의 시각적 구현력을 결합해 새로운 회화적 문법을 구축하고자 하는 시도로 이어졌다.

이 과정에서 생성형 AI는 내 회화를 대체하는 주체가 아니라, 한국화적 감각과 세계관을 보다 넓은 차원의 이미지로 번역해주는 하나의 조형 언어이자 확장된 붓으로 자리매김했다. 나는 AI 이미지를 단순한 결과물로 소비하기보다, 선택·해체·재구성의 과정을 거쳐 회화적 판단이 개입되는 지점까지 끌어오는 방식을 통해 작업을 전개해왔다.

이러한 작업 방식을 설명하기 위해 나는 나의 회화적 실천을 ‘GAI Hybrid Painting’이라는 명칭으로 명명하고, 이를 생성형 AI 이미지를 출발점으로 삼아 회화적 물성과 인간의 판단을 통해 화면을 구성해 나가는 하나의 미술적 접근으로 제안해오고 있다. GAI Hybrid Painting은 특정한 정답이나 규범을 제시하기보다, AI 이미지가 회화의 언어 안에서 어떻게 성립하고 확장될 수 있는지를 탐색하는 열린 실천에 가깝다.

AI 기반 작업을 진행하며 점차 사회와 환경 문제에 대한 관심도 작업의 중요한 축으로 자리 잡았다. 지구는 인간의 소유가 아니라 자연의 일부이며, 인간은 환경을 변화시켜온 존재인 동시에 회복을 실행할 책임을 지닌 존재라는 인식은 작업 전반에 깊이 스며 있다. 이러한 메시지를 시각적으로 드러내기 위해 작품 속에 ‘사람의 지문 텍스처’를 주요한 조형 요소로 사용해왔다. 지문은 자연을 변화시키는 인간의 힘이자, 동시에 회복을 실행할 수 있는 유일한 손길을 상징한다.

이러한 조형적·개념적 실험은 2025년 6월, 한국저작권위원회가 발간한 『생성형 인공지능 활용 저작물의 저작권 등록 안내서』에 작품 〈자연의 울림〉이 AI와 회화를 접목한 등록 사례로 공식 수록되며 하나의 기록으로 남게 되었다. 이는 전통회화 기반의 창작자가 생성형 AI를 도구로 활용해 독자적인 예술 세계를 확장할 수 있음을 제도적으로 확인한 사례이기도 하다.

내 작업은 결국 전통과 기술, 자연과 인간, 직관과 알고리즘 사이의 경계를 탐구하는 과정이다. 동양화적 미감이 AI라는 확장된 도구와 만나는 지점에서, 나는 앞으로의 시대를 향한 회화의 또 다른 가능성과 예술의 새로운 언어를 모색하고자 한다

〈서울의 달〉

이 도시는
한 번에 빛나지 않았다.

분절된 시간들,
끊어질 듯 이어진 하루들 위에
끝내 놓지 않았던 방향이 있었고,
그 방향은
말해지지 않은 믿음으로
생활이 되었다.

이 작업은
그 시간을 재현하기보다
통과해 온 흔적을 남긴다.
보이는 것은 장면이지만
머무는 것은 기억이다.

〈서울의 달〉은
이미지와 언어,
과거와 현재가
서로를 비추도록 구성된
양면 작업이다.

서울의 달

이 작업은 어둡고 절제된 색면 속에서 천천히 밝아지는 중심을 향해 수렴한다. 가장자리는 짙은 먹빛으로 둘러싸여 있고, 그 안쪽으로 갈수록 옅은 결이 겹겹이 쌓이며 하나의 중심을 형성한다.

작은 단위의 반복은 마치 호흡처럼 고르게 이어지고, 화면은 움직이지 않으면서도 미세하게 떨린다. 소란을 지운 자리에서 비로소 드러나는 결, 그리고 그 결이 모여 만든 중심.

이 작품은 무언가를 드러내기보다 비워낸 이후에 남는 상태에 가깝다. 깊은 밤의 수면처럼, 아무 일도 일어나지 않는 것 같지만 가장 많은 감정이 가라앉아 있는 지점.

〈가을의 자리〉은 흔들림이 사라진 곳이 아니라, 모든 흔들림을 통과한 뒤 도달한 자리다.

가을의 자리 S-2026-MP-43

반복되는 모듈의 구조 속에서 어둠과 빛은 서로를 밀어내지 않고 나란히 놓인다. 격자처럼 배열된 패턴은 화면에 질서를 부여하지만, 중심에 응집된 짙은 원형은 그 질서 안에서 미세하게 숨을 고른다. 고요는 정지된 상태가 아니라, 안쪽으로 모여드는 에너지의 시간이다.

이 작업은 소란스러운 움직임 대신, 중심으로 가라앉는 감각을 택한다. 빛은 크게 번지지 않고 낮게 머물며, 어둠은 차갑지 않게 공간을 감싼다. 그 사이, 화면의 가운데는 가장 조용하면서도 가장 단단한 자리가 된다.

〈고요 가운데 자리〉는 비워진 공간이 아니라, 모든 진동이 잠시 머물러 형체를 갖는 지점을 가리킨다. 고요 속에서 비로소 드러나는 중심의 온도를 시각화한 작업이다.

고요 가운데 자리 S-2026-MP-39

짙은 남청의 수면 위로 점처럼 흩어진 빛은 윤슬이 된다. 그러나 그 빛은 단순한 반짝임이 아니라, 끝내 건너지 못한 어떤 마음의 언어에 가깝다. 수평으로 겹쳐진 층들은 시간의 결을 이루고, 그 위에 번지는 점들은 망설임처럼 낮게 흔들린다.
이 화면에서 윤슬은 도달이 아니라 머무름의 상태다. 말해지지 못한 감정은 깊이 속으로 가라앉지 않고, 수면 위에서 미세하게 떨리며 존재를 드러낸다. 어둠은 넓지만, 그 위에 남은 작은 빛은 사라지지 않는다.
이 작품은 건너야 할 경계 앞에서 멈춘 순간을 붙든다. 아직 입 밖으로 나오지 못한 말처럼, 윤슬은 물 위에서 조용히 빛나고 있다.

윤슬  S-2026-MP-38

한 송이로 서 있던 시간은
이제 더 이상 하나의 형태로 남아 있지 않다.

꽃은 해체되고, 잘려지고, 겹쳐지며
작은 면으로 나뉘어 화면 위에 다시 놓인다.
그러나 사라진 것은 아니다.
색의 온도와 결의 흐름은
여전히 같은 방향을 향해 숨 쉬고 있다.

분홍의 여운, 연두의 잔상,
그리고 금빛으로 이어 붙인 경계는
부서짐을 감추기보다
그 흔적을 드러내는 방식으로 존재한다.

이 작업은 꽃을 그리는 일이 아니라
‘피어 있었던 날’을 다시 배열하는 일에 가깝다.
완전했던 순간은 조각이 되었지만,
그 조각들은 서로를 밀어내지 않는다.
각 면은 미세하게 다른 표정을 지니면서도
같은 기억을 공유한다.
피어 있던 날은 지나갔지만
그 시간은 흩어져
이곳에 다시 모여 있다.

피어 있던 날의 조각들  S-2026-MP-37

생성형 이미지에서 출발한 형태는 GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method를 통해 분절되고 재구성된다. 반복되는 결은 화면 위에 층을 이루며, 중심으로 갈수록 응집된 온기를 남긴다. 붉은 색은 폭발하지 않고 스며들듯 자리하며, 빛을 드러내기보다 내부에서 머문다.
이 작업은 드러난 광휘가 아니라, 사라지지 않고 남아 주변을 은은히 데우는 감각의 흔적을 다룬다. 변형을 거친 구조 속에서도 중심의 열은 꺼지지 않으며, 조용한 밝음으로 화면을 지탱한다.

빛나지 않아도 밝히던 자리 S-2026-MP-36

이 작품은 GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method를 통해 생성형 이미지의 결을 분절하고 재배열하여, 감각의 우주를 층위적으로 구성한 작업이다. 상단의 어둠 속 점묘는 별처럼 흩어지고, 그 아래로는 빛의 파장이 수평으로 확장되며 하나의 통로를 형성한다.

반복되는 모듈은 단순한 패턴이 아니라 이동의 기록이다. 색의 진동은 점차 밀도를 달리하며, 화면 전체를 하나의 여정으로 변환한다. 이 길은 물리적 공간이 아니라, 순수와 감각을 향해 나아가는 내면의 항로다.

우주는 멀리 있는 것이 아니라, 결의 반복 속에서 이미 시작되고 있다.

어린 왕자를 만나러 가는 길 S-2026-MP-35

이 작업은 GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method를 통해 생성형 이미지의 선과 결을 모듈 단위로 분절하고 재구성한 작업이다. 붉은 기운은 화면 중심에서 서서히 밀도를 높이며 응집되고, 가장자리로 갈수록 옅어지며 호흡처럼 번져간다.

꽃은 구체적인 형상으로 드러나지 않지만, 반복되는 결의 진동 속에서 스스로 피어나는 상태로 존재한다. ‘피었다’가 아니라 ‘피우고 계신다’라는 현재진행형의 제목은, 생성과 변형, 그리고 지속의 과정을 강조한다.

이 작품은 하나의 완결된 이미지라기보다, 지금도 진행 중인 생명의 리듬을 시각화한 장면이다. 분절된 구조 안에서도 중심의 온도는 사라지지 않으며, 결은 여전히 살아 움직인다.

꽃 피우고 계신다 S-2026-MP-34

이 한 송이 꽃은 단단히 서 있는 것처럼 보이지만, 화면 전체를 가득 메운 붉은 결 속에서 끊임없이 흔들리고 있다. 수없이 반복된 선과 패턴은 꽃을 둘러싼 보이지 않는 바람이자, 시간의 층위다. 그 안에서 꽃은 중심을 잃지 않으려 애쓰듯 겹겹이 쌓이고, 번지고, 다시 모인다.

붉은 화면은 열정이면서도 상처의 색이다. 꽃은 완전한 형태로 고정되지 않고, 미세하게 분절되고 재구성되며 하나의 존재로 서 있다. 이는 흔들림이 곧 불안이 아니라, 살아 있음의 증거임을 말한다. 완벽하게 고요한 순간이 아니라, 진동 속에서 비로소 피어나는 생의 모습이다.

이 작품은 한 송이 꽃을 통해 묻는다.
과연 흔들리지 않고 피는 존재가 있을까.
그리고 그 질문 끝에서, 우리는 각자의 붉은 결 위에 서 있는 자신을 발견하게 된다.

흔들리지 않고 피는 꽃이 어디 있으랴 (1~12set) S-2026-MP-33

정렬된 사각의 틀 안에서 색과 문양은 고요히 머물러 있지만,
자세히 들여다보면 모든 결은 미세하게 흔들리고 있다.
반복되는 패턴은 정지된 구조처럼 보이지만,
그 안의 리듬은 서로를 밀고 당기며 은밀한 움직임을 만든다.

생성된 이미지의 흔적을 분할하고 다시 재배치한 화면은
하나의 질서 속에 놓인 수많은 변주의 집합이다.
금빛 경계는 각 조각을 구획하면서도
동시에 서로의 진동을 이어주는 통로가 된다.

〈움직여도 될 것 같아〉는
완전히 멈춰 있지 않은 상태,
곧 시작될지도 모르는 변화의 직전에서 머무는 장면이다.
고요한 배열 속에서도,
감정은 이미 다음 방향을 향해 기울고 있다.

움직여도 될 것같아 S-2026-MP-32

푸른 결은 표면의 빛을 머금은 채, 그 아래로 서서히 가라앉는다. 생성형 이미지에서 출발한 패턴은 모듈 단위로 분절되고 다시 배열되며, 반복 속에서 다른 리듬을 만든다. GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method를 통해 디지털 구조와 한지의 물성이 맞닿고, 찢긴 경계는 파문처럼 화면을 가로지른다. 이 작업은 드러난 질서 너머, 수면 아래에 잠겨 있던 감각과 기억의 층위를 조용히 드러낸다.

수면 아래로 (S-2026-MP-31)

반복되는 결의 구조 위로 붉은 색의 층이 서서히 스며든다. 생성형 이미지를 모듈 단위로 분절하고 재구성하는 GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method를 통해, 디지털 변형의 흔적은 목재 위에 물성으로 정착된다. 구조는 질서를 유지하지만, 색은 그 위에 머물며 시간을 축적한다. 이 작품은 변형을 거친 이미지가 사라지지 않고 잔상으로 남듯, 감정 또한 결 위에 머물며 밀도를 형성한다는 과정을 시각화한 작업이다.

결 위에 머문 시간 S-2026-MP-30

〈한때의 온도가 머문 곳〉은 이미 지나간 감정이 완전히 사라지지 않고, 시간의 층위 속에 남아 머무는 상태를 바라본 작업이다. 화면을 채우는 붉고 분홍빛의 반복된 구조는 특정한 순간의 감정을 직접적으로 재현하기보다, 한때 존재했던 감정의 온도가 여러 겹으로 겹쳐진 흔적에 가깝다. 각 모듈은 유사한 형태를 반복하지만, 결코 동일하지 않으며 이는 감정이 반복 속에서도 매번 다른 결로 남는 방식을 닮아 있다.

화면 중앙부에 응축된 붉은 색조는 한 시점에서 가장 뜨거웠던 감정의 핵심을 암시한다. 그러나 이 중심은 고정된 대상이 아니라, 주변으로 스며들며 다른 색과 질감에 영향을 주는 흐름으로 작동한다. 분홍과 연한 색면으로 이어지는 주변부는 감정이 식어가는 과정이 아니라, 식은 뒤에도 남아 있는 잔온의 상태를 보여준다.

곳곳에 더해진 금색의 흔적들은 기억 속에 남아 있는 감정의 미세한 파편처럼 화면에 박혀 있다. 이는 사라졌다고 생각했던 감정이 완전히 소멸되지 않고, 다른 층위의 시간 속에 남아 있음을 조용히 드러낸다. 화면은 뜨거움과 잔온, 강도와 여백이 동시에 공존하는 상태를 유지한다.

이 작업은 GAI Hybrid Painting 방식으로 생성된 패턴을 기반으로, 해체와 재구성, 그리고 수작업 개입을 거쳐 완성되었다. 반복되는 구조는 알고리즘적 질서를 떠올리게 하지만, 화면의 리듬과 색의 밀도는 작가의 감각적 판단에 의해 조율된다. 이를 통해 감정은 데이터처럼 분절되면서도, 다시 하나의 유기적인 표면으로 연결된다.

〈한때의 온도가 머문 곳〉은 감정의 폭발이나 극적인 장면이 아니라, 그 이후에 남은 상태에 주목한다. 이 작품은 지나간 감정이 남긴 온기가 현재의 시간 속에서 어떻게 조용히 머무는지를 기록한, 하나의 내면적 풍경이다.

한때의 온도가 머문 곳 S-2026-MP-29

이 작품은 인간의 존재가 시간 속에서 어떻게 흔적으로 남는가에 대한 질문에서 출발한다. 지문은 개인의 정체성을 가장 직접적으로 드러내는 표식이자, 삶이 축적된 고유한 기록이다. 작가는 이 지문의 구조를 선과 패턴, 그리고 반복되는 모듈의 형태로 해체하고 재구성함으로써, 존재의 본질을 시각적으로 탐구한다.

수많은 선들이 모여 형성된 화면은 단일한 형상이 아니라, 감정과 기억, 경험이 켜켜이 쌓여 만들어진 내면의 지도와도 같다. 반복과 변주의 과정 속에서 생성된 패턴은 인간의 삶이 단선적이지 않고, 수많은 선택과 흔들림, 그리고 회귀를 거치며 형성된다는 사실을 암시한다.

본 작업은 생성형 AI로 생성한 이미지를 기반으로 디지털 편집을 거쳐, GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method 기법으로 재구성되었다. 이후 한지와 모자이크 타일을 결합하고, 물질의 질감과 손의 감각을 더하는 회화적 과정을 통해 디지털과 아날로그, 인공과 자연, 기술과 인간의 감성이 교차하는 복합적 회화 공간을 형성한다.

작품 속에서 반복되는 지문의 형태는 개인의 고유성을 상징함과 동시에, 수많은 존재들이 남기고 간 집단적 기억의 은유이기도 하다. 이 작업은 결국, 우리가 남기는 모든 사소한 흔적들 또한 삶의 중요한 일부임을 조용히 되묻는다.

존재는 흔적으로 남는다 (S-2026-MP-28)

이 작품은 말로 설명되지 않는 감정과 기억, 그리고 내면의 움직임을 양귀비꽃의 형상과 구조적 패턴을 통해 시각화한 작업이다. 드러나지 않지만 분명히 존재하는 것들, 소리 없이 스며들어 마음 깊은 곳에 머무는 감각을 화면 위에 천천히 쌓아 올렸다.

꽃의 형상은 자연의 재현이 아니라, 내면에서 피어나는 감정의 흔적에 가깝다. 반복되는 선과 모듈 구조는 감정과 기억이 축적되는 방식을 닮아 있으며, 그 안에서 생성과 소멸, 긴장과 고요가 동시에 공존한다. 화면을 가득 채운 패턴은 고정된 형태라기보다, 끊임없이 흔들리고 변화하는 내적 풍경의 한 단면이다.

본 작품은 생성형 AI 기반 이미지 생성과 디지털 편집, 그리고 수작업 회화가 결합된 GAI Hybrid Painting 방식으로 제작되었다. 디지털로 구축된 구조 위에 한지와 모자이크 타일을 결합하고, 금먹으로 다시 채색함으로써, 기술적 질서와 손의 감각, 인공과 자연이 교차하는 회화적 층위를 형성한다.

이 작업은 빠르게 소비되는 이미지의 흐름 속에서, 침묵과 여백, 그리고 오래 머무는 감정의 밀도를 되묻는다. 말 없는 것들의 중심에서, 우리는 비로소 스스로의 내면과 조용히 마주하게 된다.

같이 있다는 건 (S-2026-MP-27)

이 작품은 자연의 풍경을 바라보며, 그 안에서 천천히 스며들어 오는 감각과 시간의 흔적을 기록한 작업이다.
눈에 보이는 형태보다, 오래 바라볼수록 남는 여운과 감정의 결을 따라 화면을 구성했다.

정사각의 작은 조각들은 각각 하나의 순간이며, 동시에 기억의 단편이다. 이 조각들이 반복되고 겹쳐지며 만들어내는 구조는, 자연이 지닌 질서이자 인간의 내면에 쌓여온 시간의 층위이다. 숲의 빛, 물결의 흐름, 공기의 떨림 같은 풍경의 감각들은 구체적인 재현이 아니라, 기억 속에 남아 있는 이미지의 형태로 재구성된다.

실버 안료로 채색된 화면은 빛에 따라 미묘하게 변화하며, 고정된 장면이 아니라 끊임없이 변하는 시간의 표면처럼 반응한다. 한지의 섬유질 위에 스며든 색은 디지털 구조 위에 인간의 온기를 덧입히며, 기계적 질서와 손의 감각이 조용히 공존하는 지점을 만든다.

이 작품은 빠르게 소비되는 이미지의 시대 속에서,
천천히 바라보고, 오래 머무르며, 조용히 스며드는 감각의 가치를 되묻는다.
눈에 띄는 장면보다, 마음에 남는 잔향이 더 오래 지속된다는 믿음 속에서, 이 화면은 그렇게 만들어졌다.

조용히 스며드는 것들 (S-2026-MP-26)

본 작품은 GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method 기법을 통해, 생성형 AI 이미지의 환상적 요소를 모듈 단위로 분절·재조합하여 몽상과 감각의 공간으로 확장한다.
붉은 꽃과 부유하는 풍선, 수중적 공간은 현실 너머의 자연, 곧 회복을 향한 인간 내면의 상상과 갈망을 상징한다. 꽃은 생명과 감정을, 풍선은 자유와 희망을, 흐르는 공간은 무의식과 태초의 기억을 암시한다.
이 작품은 구조화된 현실의 자연을 넘어, 우리가 꿈꾸는 자연, 그리고 다시 숨 쉬는 세계에 대한 감각의 각성을 시각적으로 제안한다.

숨을 꿈꾸다 (S-2026-MP-25)

본 작품은 GAI Hybrid Painting – Modular Pattern Method 기법을 기반으로, 생성형 AI 이미지를 디지털 편집과 모듈 구조화를 거쳐 물성 회화 오브젝트로 완성한 작업이다.
산과 구름, 반복되는 패턴과 지문의 흔적은 자연과 인간, 기술과 구조가 중첩된 동시대 자연의 풍경을 형성한다. 지문은 자연을 바라보는 인간의 존재를, 반복되는 구조는 시스템화된 현대 사회의 질서를 상징한다.
자연은 더 이상 순수한 배경이 아니라, 인간의 개입과 기술 문명 속에서 끊임없이 편집되고 재구성되는 현실이 된다. 이 작품은 우리가 살아가는 지금 이 순간의 자연을 성찰적으로 마주하게 하는 서사의 출발점이다.

 (S-2026-MP-24)

본 작품은 회복 이후의 자연, 그리고 인간의 선택 이후 도달 가능한 미래의 생태적 풍경을 제시한다.
분절과 구조, 시스템을 통과한 자연은 다시 하나의 흐름으로 연결되며, 색과 리듬, 밀도와 여백은 새로운 균형 상태를 형성한다. 이 숲은 더 이상 관찰의 대상이 아니라, 인간과 기술, 자연이 공존하는 미래의 생태 공간으로 확장된다.
〈다시 숨 쉬는 숲〉은 완성된 이상향이 아니라, 실천 이후에 비로소 열리는 세계의 가능성을 상징하며, 전시 전체 서사의 종착점이자 새로운 시작을 선언한다.

다시 숨 쉬는 숲 (S-2026-MP-23)

이 작업은 내가 살아온 시간을 돌아보며 정리한 하나의 기록이다.
삶은 언제나 한 방향으로만 흐르지 않았고, 각 시기마다 다른 결의 감정과 기억이 켜켜이 쌓여왔다.

화면 하단의 스트라이프는 어린 시절을 떠올리며 구성한 부분이다.
미래에 대한 두려움 없이, 그저 화려하고 밝게 꿈꾸던 시절의 기억을 색의 흐름으로 풀어냈다. 그때의 나는 복잡한 질문을 하지 않았고, 삶은 자연스럽게 앞으로 열려 있다고 믿었다.

중단부는 젊은 시절의 시간에 해당한다.
세상과 마주하고, 신앙과 나 자신을 동시에 바라보며 내적·외적 갈등을 겪던 시기다. 반복되는 패턴과 흔들리는 선들은 그 시절의 고민과 흔들림을 담고 있다. 이 구간에 등장하는 갈대의 이미지는 연약해 보이지만 쉽게 꺾이지 않는 존재로서, 그 시간을 견뎌온 나 자신의 모습이기도 하다.

상단으로 갈수록 화면은 점차 단순해진다.
많은 것을 내려놓고 정리한 지금의 삶을 의미한다. 하루하루를 당연하게 여기지 않고 감사로 받아들이게 되면서, 오히려 매일이 새롭게 느껴지는 상태를 표현하고자 했다. 복잡함을 지나 도달한 고요함이 이 부분에 담겨 있다.

이 작품은 AI로 생성한 이미지를 출발점으로 삼았지만, 결과는 다시 손으로 완성되었다.
한국적인 색감과 자연의 이미지를 바탕으로 생성한 이미지를 디지털로 재구성한 뒤, 먹으로 물들인 우드 판재 위에 부착하고, 그 위를 다시 금먹과 화이트 펄로 하나하나 그려 나갔다. 기술은 과정에 머물고, 최종적인 감각과 결은 손의 노동을 통해 마무리되었다.

이 작업은 특별한 메시지를 강하게 주장하기보다,
지금 이 순간까지 살아오며 깨닫게 된 것 —
진정한 삶은 결국 매일을 어떻게 받아들이느냐에 달려 있다는 생각을 조용히 담아내고자 한 작업이다.

진정한 삶이 주는 의미 S-2026-MP-22

이 작업은 계획에서 출발하지 않았다.
우연히 생긴 쪽 염료를 마주하고, 이 색으로 그려보자는 단순한 생각에서 시작되었다.
충분할지, 끝까지 갈 수 있을지 알 수 없는 상태에서의 시작은 늘 불안을 동반했다.

그리면서 태도가 바뀌었다.
모자라면 모자란 대로 두자고, 채우지 않아도 괜찮다고.
그렇게 그려진 작은 종이 한 장 한 장은 이어 붙여졌고,
78장의 조각은 하나의 화면으로 정리되었다.

쪽 염료의 짙은 푸름은 먹이 아닌 색으로 수묵의 깊이를 만들어낸다.
빠르고 복잡했던 시간은 화면의 한쪽에 남아 있고,
다른 한쪽에는 여백과 침묵, 그리고 오래 남는 잔향이 자리한다.
이는 지나온 삶의 정리이자, 앞으로 선택하고 싶은 삶의 방향이다.

종이 위에 박힌 투명한 흔적들은 명반의 결정이다.
값을 지닌 보석은 아니지만,
한때 많았던 희망과 꿈, 그리고 여전히 사라지지 않는 미세한 반짝임을 담고 있다.

이 작품은 무엇을 이루기 위한 기록이 아니라,
서두르지 않고 남아 있는 시간을 받아들이는 방식에 대한 회화적 응답이다.
지금 이 자리에서,
천천히, 남은 쪽으로.

천천히, 남은 쪽으로  S-2026-MI-21

겹겹이 쌓인 선과 결이 침묵 속에서 서서히 모습을 드러낸다.
이 작품은 단순한 형태를 넘어, 기억과 시간의 흔적을 품고 있다.

디지털로 생성된 패턴 위에 먹의 농담과 나무결의 결이 교차하며
감정의 층위를 구성해간다.
이는 ‘형태’ 이전의 ‘뿌리’, 보이지 않는 근원에 대한 시적 고백이다.
‘기반’은 단단하지 않다.
오히려 흐르고, 흔들리고, 스며드는 방식으로 존재를 증명한다.
모든 시작은 이처럼, 말 없는 축적으로부터 비롯된다.

기반 (Foundation) S-2025-MP-20

〈지문서사〉는 작가 Omali가 인간과 자연, 기억과 회복 사이의 경계를 지문으로 엮어낸 최초의 이야기이다.
이 작품은 캔버스에 새겨진 붓질이 아닌, 손끝에서 비롯된 존재의 언어로 기록되었다.
작가는 인간 고유의 흔적인 지문을 통해, 파편화된 감정과 시간, 그리고 자연과의 단절된 관계를 서사로 복원하고자 했다.

지문은 생물학적 패턴을 넘어, 존재의 증명이며, 예술의 기원이다.
그 미세한 선 안에 담긴 기억, 유전, 무의식의 리듬은 이 작품 속에서 하나의 서사로 다시 짜여진다.

이 작품은 Omali의 GAI Hybrid Painting의 첫 선언이자,
인공지능과 회화, 인간 감각의 결합을 통한 새로운 회화적 언어의 시작점이다.
손끝의 무늬는 기술의 틈을 뚫고 나와 다시 자연과 호흡하며, 이 시대에 예술이 던지는 가장 조용하고 강한 목소리다.

지문서사 (指紋敍事) S-2026-MI-19

S-2025-MP-18

S-2025-MP-17

〈one day〉는 하루라는 시간 안에 스쳐 지나가는 감정과 리듬을
겹겹의 선과 반복되는 패턴으로 기록한 작업이다.

지문에서 출발한 패턴은 생성형 AI를 통해 확장되었고,
작가의 GAI Hybrid Painting 방법론 중 Modular Pattern Method를 적용해
선별·분해·재구성되며 하나의 화면으로 응집되었다.

규칙적으로 반복되는 곡선과 미세한 점의 흐름은
마치 현악기의 선율처럼 조용히 이어지다 어느 순간 밀도를 높이며
하루의 감정이 쌓였다가 사라지는 과정을 암시한다.

디지털 기술을 수단으로 삼되,
조형의 출발점은 동양화의 선, 여백, 재료 감각에 있다.
정적인 화면 속에서도 리듬이 살아 있는 듯한 시각적 호흡은
하루라는 시간이 남기는 잔상과 기억의 결을 드러낸다.
〈one day〉는 특별하지 않아 보이는 하루가
사실은 수많은 감정과 시간의 진동으로 이루어져 있음을
조용히, 그러나 분명하게 기록한 작업이다.

Oneday S-2025-MP-16

〈춤을 추는 빨간 나무〉는 반복되는 패턴과 색의 진동을 통해, 살아 있는 감정의 움직임을 하나의 구조로 응축한 작품이다.
붉은 색의 흐름은 고정된 형태가 아니라, 마치 뿌리와 가지가 바람에 반응하듯 화면 전체를 유기적으로 흔든다.

이 작업은 생성형 AI 기반 이미지에서 출발했으나, 단순한 결과물에 머물지 않는다.
GAI Hybrid Painting의 Modular Pattern Method를 적용해 이미지를 해체하고, 반복·배열·조합하는 회화적 판단을 거쳐 물리적 회화로 다시 태어났다.
잉크와 우드블럭의 물성 위에서 붉은 패턴은 점차 ‘나무’의 형상처럼 응집되며, 정적인 화면 안에서 리듬과 춤을 만들어낸다.

기술은 구조를 제공하고, 손의 개입은 호흡을 부여한다.
이 작품에서 붉은 나무는 감정의 잔재이자, 여전히 움직이며 성장하는 생명체에 가깝다.
〈춤을 추는 빨간 나무〉는 생성과 분출, 그리고 다시 정리되는 순간을 회화적으로 붙잡으려는 시도이다.

적렬-춤을 추는 빨간 나무 S-2025-MP-15

〈참 아름다운 한 때야〉**는
붉은 꽃의 형상에서 출발해, 한 순간에 응축된 감정의 온기와
되돌아올 수 없는 시간의 아름다움을 담아낸 GAI Hybrid Painting 작업이다.

꽃의 중심을 연상시키는 주홍과 붉은 색의 중첩은
타오르듯 격렬하기보다, 한때 분명히 존재했던 감정의 밀도를 조용히 드러낸다.
반복되면서도 완전히 같지 않은 패턴 구조는
머물렀다 사라지는 기억의 결, 그리고 삶의 리듬을 닮아 있다.

생성형 AI로 구축된 패턴을 기반으로
작가는 이를 다시 선택하고 배열하며 수작업적 판단을 더했다.
그 과정 속에서 화면은 단순한 장식이 아닌,
감정이 스쳐 지나간 **‘아름다운 순간의 잔상’**으로 고정된다.

이 작품은 격렬한 열기보다,
지나갔기에 더 선명해지는 시간의 온도를 바라본다.

참 아름다운 한 때야  S-2025-MP-14

〈비 내린 다음 날〉은
감정이 지나간 자리 위에 남은 고요와 투명한 시선을 담아낸
GAI Hybrid Painting 작업이다.

비가 그친 뒤의 공기처럼,
이 화면은 더 이상 흔들리지 않는 감정의 상태에 머문다.
푸른 색의 밀도는 피어오르는 꽃이 아니라,
스며들며 가라앉은 시간의 결을 닮아 있다.

균열처럼 남아 있는 배경의 선들과
차분히 반복되는 패턴 구조는
말해지지 않은 감정이 서서히 정리되는 과정을 시각화한다.
강조된 표현 대신 절제된 구성은
감정이 가장 맑아지는 순간이 언제인지를 조용히 묻는다.

이 작품은 무엇인가를 더하지 않는다.
비워낸 뒤에야 드러나는 감정의 풍경,
그 다음 날의 상태를 화면에 남긴다.

비 내린 다음 날 S-2025-MP-13

〈무엇을 찾는지〉는
중심에 응축된 붉은 색면을 출발점으로,
감정이 머무는 지점과 시선이 맴도는 구조를 탐색하는
GAI Hybrid Painting 작업이다.

중앙의 적색은
가장 강렬하게 응집된 감정의 흔적처럼 화면에 자리하고,
이를 둘러싼 청색과 회백의 반복 패턴은
감정이 식고, 다시 바라보게 되는 시간의 층위를 형성한다.

작가는 생성형 AI로 구축된 패턴 구조를
해체하고 재조합하는 과정을 통해
중심과 주변, 긴장과 이완, 질서와 흔들림이
동시에 공존하는 화면을 만들어낸다.

이 화면에서 중심은 고정되어 있지만,
시선은 쉽게 머무르지 못한다.
보는 이는 자연스럽게 묻게 된다.
— 우리는 지금, 무엇을 찾고 있는가.

무엇을 찾는지 S-2025-MP-12

〈가끔씩 그리운〉은
정면을 향한 형상 속에 머물러 있는 감정의 잔향을 담아낸
GAI Hybrid Painting 작업이다.

화면 중앙의 백색 영역은
특정한 대상이기보다는,
기억 속에서 반복적으로 떠오르는 ‘존재의 자리’를 상징한다.
그 주위를 감싸는 붉은 필드는
시간을 지나며 축적된 감정과 그리움의 온도를 닮아 있다.

리듬감 있게 반복되는 선의 패턴은
하나의 형상을 고정시키는 동시에,
그 형상이 품고 있는 기억이 끊임없이 흔들리고 있음을 드러낸다.
화면 하단의 두 개의 녹색 선은
마치 감정이 완전히 떠내려가지 않도록 붙잡아 두는
보이지 않는 지지대처럼 화면을 지탱한다.

이 형상은 꽃일 수도, 얼굴일 수도,
혹은 문득 떠오르는 어떤 사람의 흔적일 수도 있다.
분명한 대상은 없지만,
가끔씩 이유 없이 떠오르는 감정만은 또렷이 남아 있다.

가끔씩 그리운 S-2025-MP-11

기억한다는 말은
한때 강하게 머물렀던 감정이
완전히 사라지지 못한 채
구조와 색의 층위 속에 천천히 스며들어 남겨진 장면이다.

보라색의 중심부는
기억이 잠시 머물렀던 자리처럼
차분하지만 묵직한 밀도를 지니고 있고,
그 위로 번지는 초록과 남색의 결은
감정이 흩어지며 다른 상태로 침전되는
시간의 흐름을 형상화한다.

이 작업은
GAI Hybrid Painting 방식으로 생성된 이미지 구조 위에
작가의 회화적 해석과 선택이 더해지며,
중첩과 분산, 응축과 침묵이 공존하는
시각적 잔상을 만들어낸다.

기억한다는 말은
이미 지나갔지만 완전히 떠나지 않은 마음,
말로 다 설명할 수 없는 감정의 뒤편에
조용히 남아 있는 에너지를 담고 있다.

기억한다는 말 S-2025-MP-10

기쁠 수 있다는 건은
따스한 봄날의 공기처럼
부드럽고 순한 색의 층위로 구성된 화면 속에서,
감정이 조용히 고개를 드는 순간을 담아낸 작업이다.

분홍과 연백의 색면은
꽃 한 송이를 연상시키듯 화면 중심에서 서서히 퍼져 나가며,
기억과 감정이 겹겹이 스며드는 과정을 보여준다.
그 흐름은 분명한 환희라기보다,
문득 스스로를 허락받은 듯한
잔잔한 기쁨에 가깝다.

색과 패턴은 GAI Hybrid Painting 방식으로 생성된 구조 위에
작가의 회화적 판단을 거쳐 배치되며,
균형과 흔들림, 응축과 여백이
하나의 감정 상태로 수렴된다.

〈기쁠 수 있다는 건〉은
크게 웃지 않아도,
설명하지 않아도 괜찮은
아주 작은 긍정의 가능성에 대한 회화적 기록이다.

기쁠 수 있다는 건 [S-2025-MP-09]

한국저작권협회 미술저작물 등록 작품 C-2026-001465호
이 작품 속의 갈대는 윤동주에게 전하고자 한 마음에서 출발한다. 흔들리는 듯 보이나 쉽게 꺾이지 않고, 서로의 결이 모여 하나의 살아 있는 구조를 이루는 갈대의 형상은 그가 지켜내고자 했던 시대의 정신과 맞닿아 있다.

이 구조적 특성을
Fingerprint 기반 AI 패턴 이미지와 결합해 1차 조형 틀을 세우고,
이후 한지채색·먹·목블럭·골드리프의 물성을 더해
디지털과 전통적 매체가 공존하는 화면을 구축하였다.

작품 속의 갈대는 윤동주에게 전하고자 한 조형적 메시지를 담기 위해 선택된 모티프이다.
겉으로는 바람에 흔들리는 연약한 형상처럼 보이지만,
실제로는 다층의 결이 서로를 지탱하며 살아 있는 구조를 이루는 갈대의 특성은
그가 살아낸 시대적 긴장과 고요한 의지를 상징적으로 환기한다.

이는 윤동주에게 바치는 조용한 응답이며,
그가 남긴 마음의 결이 오늘의 빛으로 이어지고 있음을
회화적 언어로 드러내고자 한 작업이다.

아직도 나의 길을 묻는다[C-2025-IC-08]

“Every Day You Were Beautiful” is an experimental dual-perspective work that brings together
AI reinterpreted imagery and traditional Korean Jinchae painting within a single composition—
the artist’s first attempt at merging these two mediums.

The mother’s younger self was re-created through Generative AI,
while her present appearance was painted by the artist using the traditional Jinchae technique.
These two images were then combined using the Strips Collage method,
allowing different images to appear depending on the viewer’s angle from the left or right.

Through the coexistence of an AI-reconstructed past and a hand-painted present,
the work symbolizes the passage of time, the texture of memory,
and the enduring beauty of a mother’s life.

This piece marks a significant turning point for the artist,
demonstrating how personal narratives and contemporary AI technologies
can be harmonized into a new visual language.

Every Day You Were Beautiful

“Meditation in Jeju” (C-2025-014567) is a mixed-media piece created using Generative AI pattern generation, digital editing, and the Strips Collage technique.

One side depicts the dynamic waves of Jeju’s sea, capturing its vitality and ever-changing beauty. The layered movement of the water mirrors the rhythms of human life—sometimes turbulent, sometimes tranquil—while Hallasan Mountain stands quietly behind, embracing the long history and spirit of Jeju.

The opposite side presents reflections written on the snow-covered Hallasan, resembling traces of lived moments. A subtle church silhouette hidden between the mountain and the sea symbolizes the quiet sacredness that can be found in the world.

Through its two-sided, mirrored composition, the work expresses the profound beauty of Jeju and the abundance of God’s grace and love.

Meditation in Jeju[C-2024-IC-07]

Moon over Seoul expresses the contrast between the shadowed alleys of Seoul’s hillside neighborhoods and the quiet hope carried by those who continue to move forward.
The golden steps represent courage and the radiant possibilities of the future,
while the soft light shining in the distance symbolizes support, encouragement, and the small blessings that guide us.

The solitary figure walking upward reflects each of us moving through darkness toward the light.

Moon over Seoul

This work features a vivid purple bloom gently embracing the rhythmic whirl of black lines. The repeated linear patterns symbolize accumulated time and emotions, while the flower’s chromatic presence conveys warmth, vitality, and quiet comfort. Blending traditional line aesthetics with digitally-influenced visual language, the piece captures a moment where contrasting energies coexist and softly embrace one another.

Chromatic Embrace

This artwork symbolizes resilience and the quiet strength that emerges even in the midst of hardship.
The delicately layered linework and the vibrant red background evoke vitality, endurance, and a sense of hope rising through challenges.
Combining traditional Korean line aesthetics with contemporary digital sensibilities, the piece captures the emotional rhythm and organic flow of life.

Blooming Hope Amidst Adversity

GAI Hybrid Painting
“Meta Patterns in Seoul” reinterprets traditional Korean visual language through a contemporary, future-oriented lens.
The work incorporates the flowing curves of giwa roof tiles, the repetitive geometry of traditional patterns, and the line aesthetics of Korean painting. The artist transformed personal sketches into image prompts to generate AI-based imagery, then completed the final composition through additional digital editing.

This piece visualizes the coexistence of historical depth and algorithmic futurism, presenting a space where the past, present, and future of Seoul interact seamlessly.
By merging Korean traditional motifs with digital meta-patterns, the artwork suggests that cultural heritage can continue to evolve, resonating with new meaning within the expanding landscape of the metaverse.

Meta Patterns in Seoul

부드럽고 은은한 색감이 겹겹이 쌓이며, 따뜻한 결이 피어오른다. 이 작품은 외면의 강한 감정보다 내면의 흐름을 담아낸다. 마치 겨울 끝자락의 햇살이나, 봄의 기척처럼, 조용하지만 확실하게 다가오는 감정이 있다. 중심에서부터 스며드는 점묘와 결은 감정의 맥을 타고, 바라보는 이로 하여금 고요 속의 온기를 느끼게 만든다. 이 온기는 말없이 마음에 닿아, 오래도록 여운을 남긴다.dismantling and reconstructing a single bloom as if it were data.
The restrained palette of white, black, and gold enhances both the contemplative mood and the digital order of the piece, revealing the intersection where nature meets AI-driven abstraction.

담온(淡溫)[S-2024-MP-06]

visualizes a single bloom expanding outward in orbit-like motion,
forming a rhythmic structure in soft brown and ivory tones.
Through generative AI patterning and the artist’s painterly intervention,
the flower’s center is repeated, shifted, and reconstructed into a refined digital orbit.

Brown Orbit Flower


GAI Hybrid Painting
“Blue Resonance” unfolds through layered formations of deep blue and subtle green, spreading across the surface like quiet ripples.
The repeated patterns create a sense of inner vibration—similar to a low, resonant echo rising from underwater.
The calmness of blue and the vitality of green intersect to form a tranquil yet powerful visual presence.

Blue Resonance[S-2024-MP-05]

GAI Hybrid Painting
This work captures the energetic moment of blooming as vivid pink tones and organic bubble patterns spread across the canvas like a rising tide.
The flower expands through layered flows of color, creating a sense of 
movement and vitality, while touches of yellow and green add rhythmic contrast.
It evokes a scene where life, emotion, and color surge and blossom simultaneously.

Pink Bloom Tide

Floral Grain

나의 작은 세상은
외부로 확장되기보다,
스스로를 감싸 안듯 형성된 감정의 내부 공간을 다룬 작업이다.

화면 중앙에 응축된 어두운 청색의 구조는
마치 마음속 깊은 곳에 자리한 작은 방처럼
조용히 닫혀 있으면서도,
그 안에서만 분명하게 살아 있는 세계를 형성한다.
그 위에 반복되는 노란 꽃의 형상은
닫힌 세계 속에서도 꺼지지 않는 감정의 온기이자,
스스로를 지탱하는 미세한 빛이다.

주변부로 흩어지는 붉은 꽃과 여백의 패턴들은
외부 세계의 소음과 기억,
혹은 지나간 감정의 파편처럼 화면을 둘러싸며
중심과의 거리를 유지한다.
이로써 화면은 안과 밖, 보호와 노출,
고요와 진동 사이의 긴장을 유지한다.

이 작업은 GAI Hybrid Painting 방식으로 생성된 패턴을 기반으로
해체와 재구성을 거쳐 완성되었으며,
반복과 겹침을 통해
‘작지만 분명한 세계’가 형성되는 과정을 시각화한다.

〈나의 작은 세상〉은
세상과 단절된 공간이 아니라,
잠시 숨을 고르기 위해 스스로에게 허락한
가장 내밀한 감정의 거처에 대한 기록이다.


나의 작은 세상 [S-2024-MP-04]

GAI Hybrid Painting
Floral Shift visualizes the transformation of a single flower into a new matrix of patterns through generative AI.
The original bloom is deconstructed, expanded, and reorganized into a contemporary floral structure where digital variation and painterly textures coexist.
This work captures the dynamic shift of form as nature moves into a hybrid digital-physical visual language.

Floral Shift

GAI Hybrid Painting
A gentle pastel bloom unfolds in layered softness, merging digital AI-generated textures
with the artist’s painterly touch.
The result is a contemporary expression of quiet radiance—
a Soft Bloom that floats between the analog and the digital.

Soft Bloom

GAI Hybrid Painting
This work visualizes the emergence of life and radiance within a swirling, abyss-like space.
Using generative AI–based micro-patterns and digital manipulation, the piece recreates the organic movement of petals,
while maintaining the artist’s signature Eastern painting sensibility.
The layered forms emphasize coexistence between algorithmic flow and the quiet pulse of nature.

Blossom in the Abyss[S-2024-MP-03]

이 작품은 생성과 반복, 그리고 질서 속에서 태어나는 미세한 차이를 통해 존재의 근원적 리듬을 시각화한 작업이다.
‘Genesis’라는 제목처럼, 모든 시작은 하나의 점에서 비롯되지만, 그 점은 끊임없는 반복과 변주 속에서 무수한 형태로 확장된다.

작품을 구성하는 정사각의 모듈들은 각각 독립된 패턴을 지니면서도, 전체 속에서는 하나의 거대한 흐름을 형성한다. 이는 개별 존재가 각자의 고유성을 유지하면서도, 더 큰 질서 속에서 유기적으로 연결되어 있음을 암시한다. 반복되는 문양은 단순한 복제가 아니라, 미세한 차이를 품은 생성의 루프이며, 그 안에서 끊임없이 새로운 구조와 리듬이 탄생한다.

색과 선의 교차는 생명의 맥박처럼 화면 전반에 긴장과 완급을 부여한다. 절제된 색조와 리드미컬한 패턴은 동양적 사유의 순환 구조를 연상시키며, 시작과 끝이 분리되지 않은 순환적 시간관을 드러낸다. 이는 생성과 소멸, 탄생과 소멸이 반복되는 자연의 질서이자, 인간 존재의 근원적 구조에 대한 시각적 명상이다.

본 작업은 디지털 기반의 패턴 생성과 작가 고유의 Modular Pattern Method를 통해 구축되었으며, 반복과 변주의 구조를 통해 ‘처음’이면서 동시에 ‘영원한 현재’로서의 창세를 표현하고자 한다. 이 작품은 완결된 형태가 아니라, 끊임없이 이어지는 생성의 한 장면이며, 존재가 스스로를 갱신해 나가는 순환의 기록이다.

Loop of Genesis[S-2024-MP-02]

〈자연의 울림〉은 생성형 인공지능을 활용한 미술저작물로서 한국저작권위원회에 정식 저작권 등록이 완료된 작품이며,
『생성형 인공지능 활용 저작물의 저작권 등록 안내서』 36페이지에 실제 등록 사례로 수록된 작업이다.
본 작품은 생성형 AI를 단순한 이미지 생산 도구로 사용하는 방식에서 벗어나, 인간 작가의 선택과 판단, 그리고 물리적 수작업 과정을 통해 하나의 독립적인 회화 저작물로 완성되었다.

이 작품은 작가 김성자가 제안한 GAI Hybrid Painting 개념이 최초로 구현된 시작 작품이다.
GAI Hybrid Painting은 생성형 AI가 만들어낸 결과물을 그대로 사용하는 것이 아니라, 생성 이후의 선별, 분절, 재배치, 수작업 개입을 통해 작품의 형식과 의미를 완성하는 회화적 방법론이다. 여기서 창작의 핵심은 ‘생성’이 아니라, 생성 이후에 개입하는 인간의 결정과 조형적 판단에 있다.

〈자연의 울림〉은 생성형 AI 기반 패턴 이미지를 다수 생성한 뒤, 작가가 이를 선별하고 디지털 편집하여 구조를 정리하는 과정에서 출발한다. 이후 이미지는 물리적으로 분절되어 나무 블록 위에 하나씩 배치되며, 먹 작업을 통해 표면의 밀도와 리듬이 조율된다. 반복되는 모듈 구조는 알고리즘의 규칙성을 연상시키지만, 실제 화면 구성은 작가의 감각과 손의 개입에 의해 미세하게 변화한다. 이는 자연이 반복 속에서도 결코 동일하지 않다는 사실을 은유적으로 드러낸다.

이 작품에서 자연은 재현의 대상이 아니라 해석의 대상이다. 데이터로 환원되고 패턴화되는 자연의 모습은 현대 사회의 인식 방식을 반영하며, 그 과정 이후에도 남아 있는 감각과 울림을 호출한다. 디지털 이미지와 전통 재료인 먹과 목재가 공존하는 화면은 기술과 자연, 데이터와 감각 사이의 긴장을 시각적으로 드러낸다.

〈자연의 울림〉은 생성형 AI 시대에 인간 창작자의 역할과 책임이 어디에 놓이는지를 보여주는 실천적 사례이자,
AI 활용 미술저작물이 제도적으로도 성립할 수 있음을 입증한 기준점이다.
이러한 이유로 본 작품은 GAI Hybrid Painting의 출발점이자, 연구·아카이브적 가치를 지닌 대표작

자연의 울림 [S-2024-MP-01]

AI가 이미지를 너무 쉽게 만들어내는 시대에
나는 오히려 더 많이 멈추게 되었다.

동양화를 전공했고,
여백과 물성, 기다림의 시간을 배웠다.
그래서 생성형 AI를 만났을 때
‘완성’이 아니라 ‘출발점’으로 다루고 싶었다.

이미지는 빠르게 나온다.
하지만 화면은 빠르게 완성되지 않는다.

나는 생성된 이미지를
선택하고, 해체하고, 다시 배열한다.
그 과정을 거친 뒤에야
비로소 회화가 시작된다고 믿는다.

이 작업은 2025년
경기문화재단 경기창작캠퍼스 공공갤러리
전시대관 공모에 선정되었다.

AI 작업이 공공 시각예술 전시에 놓인다는 사실은
나에게도 하나의 질문이자 전환점이었다.

이번 개인전
《지음(知音) – 전통의 숨, 기술의 결로 시대를 읽다》는
그 질문에 대한 첫 공개적인 시도다.

AI를 사용하는 우리는
어디까지가 생성이고
어디부터가 창작일까.